Loading...
Error

Работы художников - Нестеров Михаил Васильевич (1862-1942). 450 работ.JPEG

Ответить на тему
Статистика раздачи
   
 
Автор Сообщение

Анатолий Скурин

Стаж: 6 лет

Сообщений: 147

Russia

post 31-Дек-2017 09:49

[Цитировать] 

Нестеров Михаил Васильевич (1862-1942)

pic
Разрешение файлов: 402х701-2998х1250
Количество: 450
Формат: JPEG

Описание:
Михаил Нестеров - уникальный, самобытный портретист, пейзажист, духоносный, неподражаемый Певец Природы и Православия.
Биография Михаила Васильевича Нестерова хорошо известна по оставленным им мемуарам. Для многих поколений русских художников проживший плодотворную восьмидесятилетнюю жизнь Нестеров представляет собой живую связь исторических эпох, воплощая художественную традицию. Он учился в Московском Училище живописи, ваяния и зод­чества еще у Василия Перова, Алексея Саврасова и Иллариона Прянишникова (1877 —1881, 1884—1886), входил в Товарищество передвижных выставок (как экспонент — с 1889 года, в качестве члена — с 1896 по 1901), пользовался уроками Павла Чистякова в Академии художеств (1881 —1884). Михаил Нестеров также был одним из членов-учредителей Союза русских художников (1903). Последний же расцвет его творчества приходится уже на 30-е годы XX века.
В начале своего творческого пути Нестеров искал свою индивидуальную манеру в бытовом жанре («Жертва приятелей», 1881; «Экзамен в сельской школе», 1884; «Знаток», 1884), исторической картине («Шутовской кафтан», 1885; «Избрание Михаила Федоровича на царство», 1886) и портрете («Портрет М. И. Нестеровой», 1886).
На рубеже XIX—XX веков художник увлекается религиозной тематикой, в которой его привлекали духовность, согласие с природой, красота обрядов, аскетическая строгость монашества. Картины религиозного цикла лишены фабульности, они окрашены созерцательным любованием. Стилистически эти произведения располагаются в русле стиля модерн.
Читать далее
Влияние этого стиля конца XIX века ощущается в панорамной всеохватности композиций, в разбеленном цвете, напоминающем гобеленные тона, в отсутствии развернутой сюжетности и замене конкретного действия — пребыванием, состоянием. Лучшие произведения этого цикла — «Видение отроку Варфоломею» (1889—1890), «Пустынник» (1888), «Под Благовест» (1895), «Великий постриг» (1898) и другие.
Наименее удачные те, в которых художник пытается осуществить подобие синтеза между церковным образом и станковой картиной, вводя в изображение канонические иконные атрибуты, а условный золотой фон заменяя «очищенным» прозрачным пейзажем («Преподобный Сергий Радонежский», 1899; «Юность преподобного Сергия», 1892—1897). Такое соединение выглядит крайне эклектичным, а сами «житийные» картины — слащавыми и маловыразительными.

Михаил Нестеров занимался и церковными росписями. В 1890г. Виктор Васнецов, возглавлявший работы по оформлению Владимирского собора в Киеве, поручает Нестерову исполнить запрестольный образ собора «Рождество Христово». После этого следует заказ на мозаики для храма 1 марта (храм Спаса на крови) в Петербурге, на росписи Марфо-Мариинской обители в Москве и храма Александра Невского в Абастумане (здесь Нестеров выполняет большинство работ и ру­ководит оформлением: в ГРМ хранится более пятидесяти эскизов орнаментов). Но, несмотря на увлеченность художника, храмовые росписи в целом не относятся к числу его достижении — они академичны и тривиальны по исполнению.

В существовавшем в начале века размежевании художни­ков по различного вида творческим корпорациям место Нес­терова оказалось в «Союзе русских художников» (он был членом-учредителем этого объединения). С московскими художниками, составившими ядро «Союза», его роднят тонкий лиризм, поэтичность мироощущения, интерес к пейзажу (в качестве своеобразной «подосновы» пейзаж присутствует во всех творениях Нестерова). Эти качества проявляются и в разных жанрах, в которых работает художник. Один из лучших нестеровских портретов этого времени — «Портрет дочери» (1906), воплощающий характерную для человека начала XX века грусть по положительному идеалу, по утраченной полноте бытия. Тихая женственность модели в сочетании с внутренней силой рождает ассоциации с передвижническими образами, например с «курсистками» Николая Ярошенко. Перед нами обобщенный образ русской девушки — прямой наследницы демократок и курсисток 1870-х годов. В этой традиционности облика присутствует ретроспективный оттенок, однако мечта о человеческой цельности выражается у Михаила Нестерова в образе вполне реальном и конкретном.

Уже в советское время, особенно в 30-х годах, творчество Нестерова обретает новую эмоциональную активность. Отныне единственной точкой приложения он выбирает портрет.

В самом выборе портретных моделей виден интерес художника к творческой личности, «пойманной» в порыве созидательного вдохновения. Излюбленная мастером динами­ческая композиция позволяла показать модель как бы «на пике» действия — скульптор Вера Мухина поглощена лепкой статуэтки Борея, хирург Юдин делает операцию или читает лекцию студентам, художники братья Корины работают в своей мастерской. Герои Нестерова — активные натуры, утверждающие в своей деятельности себя и свою эпоху. Активны, динамичны и решения портретов: художник акцентирует главное в обстановке, окружающей портретируемых, заботится о выразительности поз и жестов. Энергия сцепленных рук академика Павлова сразу вводит зрителя в атмосферу модели; руки хирурга Юдина в портрете 1935 года характеризуют его едва ли не глубже, чем неординарное лицо.

К 1928 году относятся два автопортрета Михаила Нестерова. Один из них — «Автопортрет в черном», — несмотря на живописную основательность, по решению образа напоминает импрессионистически мгновенный острый этюд. Зато второй — «Автопортрет в белой блузе» — это законченная концепция творчества, художнического бытия, обладающая убеж­дающей силой. Портрет как бы «отключен» от личности н целиком иллюстрирует идею — оттого единственным атри­бутом художника оказывается туесок с кистями а фигура на нейтральном фоне выглядит монументальным символом бескомпромиссного творческого служения.
Г. ЕЛЬШЕВСКАЯ Сто памятных дат. 1987 год.
Описания некоторых картин
Осенний пейзаж, 1906

Один из лучших нестеровских пейзажей, в полной мере раскрывающий его дар поэта русской природы. Никто более, помимо Левитана, не может похвастаться тем, что создал свой особый неповторимый стиль русского пейзажа, который уже никем не будет повторен.

Молчание, 1903

1
В 1903 году Нестеров посетил Соловецкий монастырь на Белом море в поисках персонажей для своей картины "Святая Русь". Братия монастыря - крестьяне северных губерний и Сибири поразили его умом, крепостью, деловитостью. "С топором да пилой в лесу Богу молимся", - говорили они о себе. Вся природа была для них святым храмом. Звери и птицы здесь не боялись человека, поскольку он не трогал их без особой надобности. Раз в год монастырский собор выносил решение изловить для нужд монастыря определенное количество медведей, оленей, зайцев, лисиц. Все лишнее, что попадало в капканы и силки сверх соборного постановления, выпускали на волю. Под впечатлением увиденного в Соловках была написана одна из лучших нестеровских картин "Молчание". Залив у подножия Рапирной горы. Таинственный свет белой ночи. В неподвижных водах отражается темная, поросшая лесом гора. Словно эхо, повторяют друг друга фигурки монахов в лодках, седобородого старца и юноши. Состояние природы чутко уловлено художником, но он не следует за натурой пассивно. Нестеровское мастерство композиции здесь проявляется в ее лаконизме, выборе крупных планов, скупости обобщающих линий. Почти буквальное повторение силуэтов монахов использовано Нестеровым как ритм в музыке.

2
Одной из лучших картин, рассказывающей о монашеской жизни, стало «Молчание», написанное Нестеровым параллельно с работой над «Святой Русью». Взору зрителя предстают две скользящие по заливу у подножия Рапирной горы на Соловках лодки. Внутренние связи – доминанты полотна – образуют четкий треугольник: две лодки и церковь на вершине горы. На берегу художник располагает еще один храм, тем самым символично иллюстрируя Церковь земную и Церковь небесную. К последней и держат свой путь седовласый старец и юноша. Однако в самой картине нет движения и динамики. Герои становятся частью природы, умиротворенной и затаившей дыхание перед чем-то великим. Связь человека с Богом через общение с природой, созерцательная молитва и уход от мирской суеты подчеркивается и общим колоритом: легкое звучание сиреневого, желтовато-розового и серо-фиолетового оттеняют доминанту темного зеленого и черного. Идеи «Молчания» впоследствии будет отражены в «Лисичках» (1914), «Старец. Раб Божий Авраамий» (1914-1916), «В скиту» (1915) и «Соловки» (1917).

3
1903 – год написания «Молчания». Год, когда Нестеров, долго искавший вдохновения и образов для новой картины, которая должна была называться «Святая Русь», наконец, нашел то, что искал. Его находкой оказался маленький монастырь в сибирской глуши – Соловецкий монастырь.
Жизнь в нем была простая и зачастую тяжелая – весь день посвятить службам не вышло бы даже на большой праздник. «Молимся Богу в лесу, с топором да пилой» — говорили о себе монахи, и смеялись. Весь мир вокруг был для них храмом в отсутствие возможности закрыться от мира в храме настоящем.
Рассвет, тишина над рекой, звери и птицы – все приводило их к мыслям о Боге, о том, как просто и разумно он все устроил, о том, насколько он благ. Молились утром и вечером, за работой и после работы. Уклад их жизни так впечатлил художника, привыкшего к суете городов и совсем другому подходу, что картина родилась быстро.
На ней – белая ночь, потому не видно солнца. Оно прячется за горизонтом, готовое вынырнуть оттуда совсем скоро, и свет его, близкий и рассеянный, заливает склон горы, поросшей лесами. Освещает монастырь, двух монахов в лодках. Их образ повторен, словно репризой – как эхо в лесу они подобны друг другу. Одинаковая поза, черные рясы. Удочки в руках. Не смотря на то, что слева старец, а справа юноша, они похожи друг на друга, ведь наблюдатель лишен возможности заглянуть в их лица.
Это и не нужно. Ведь картина не про людей, а про природу, про храм божий, которым становится целый мир, и в который человек может войти, если будет благоговейно молчать и не рушить то, что досталось ему от Бога. Крупные планы, легкость линий, кажущаяся непроработанность деталей – все служит для того, чтобы создать впечатление умиротворяющей тишины, в которой спрятаны ответы на все вопросы.
Молчание – ключ к ним. Молчи – и услышишь.

Видение отроку Варфоломею, 1889-1890

1
Нестеров был хорошо знаком с кругом философов. В 1910 году он посещал религиозно-философские собрания общества имени В.С. Соловьева. Также художник часто выполнял церковные росписи. До советского периода религиозные картины были важной частью его творчества.
Нестеров написал цикл картин, посвященные жизни преподобного Сергия Радонежского. Сергий Радонежский, в Варфоломейском мире, был основателем Троице-Сергиева монастыря в Сергиевом посаде, а также являлся его игуменом. Русские религиозные философы считали Троице-Сергиев монастырь, местом средоточия русской духовности.
Лучшей работой, которая была посвящена выдающемуся деятелю православной церкви, была признана картина Видение отроку Варфоломею». Фигурку молодого пастушка Нестеров писал с натуры. Ему позировала девочка из деревни Комякино. Говорят, что Нестеров долго искал натуру, чтобы написать с нее мальчика. Но однажды ему случайно встретилась девочка, которая страдала чахоткой. Он был поражен ее видом: на болезненном детском личике, казалось, жили лишь яркие глаза, смотревшие на него каким-то неземным взором. Именно тогда художник и понял, что наконец-то нашел образ отрока.
Создавая облик чудесного видения, художник стремился передать как можно больше исторической подлинности. Другими словами создать такой образ, который бы воспринимался как реальный герой, настоящий отрок Варфоломей. И у него это получилось благодаря ландшафту и убедительной фигурки отрока.
В самом пейзаже нет ничего таинственного. На дальнем плане можно даже увидеть огород с капустой. Фигурка монаха максимально приближенна к стволу старого дуба, для того чтобы сосредоточить все наше внимание на мальчике. По выражению лица и благоговейной позы можно понять, что в душе юноши происходит чудо.

2
Нестеров «Видение отроку Варфоломею» писал, будучи в Комякине. Недалеко от этого места находилась Троице-Сергиева лавра. Также рядом расположена и усадьба Абрамцево, владельцем которой являлся знаменитый в то время меценат Савва Мамонтов. Как известно, он очень любил приглашать к себе в гости уже состоявшихся, знаменитых художников: Серова, Васнецова, Билибина, Врубеля. Бывал там и Нестеров. «Видение отроку Варфоломею» - картина, в которой использованы именно абрамцевские пейзажи. Сам художник писал о том, что этюд для этой работы он набросал, будучи прямо там. Тогда его до глубины души поразила незамысловатая подлинность российской природы. Сохранилось несколько подготовительных рисунков и этюдов к этому самому знаменитому его полотну.
Картина написана на сюжет, взятый Нестеровым из древнейшего "Жития преподобного Сергия", написанного его учеником Епифанием Премудрым. Отроку Варфоломею, будущему Сергию, не давалась грамота, хотя он очень любил читать, и он втайне часто молился Богу, чтобы тот наставил и вразумил его. Однажды отец послал его искать пропавших жеребят. Под дубом на поле отрок увидел некоего черноризца, святого старца, "светолепна и ангеловидна", прилежно со слезами творившего молитву. Старец взглянул на Варфоломея и прозрел внутренними очами, что перед ним сосуд, избранный Святым Духом, и спросил его: "Да что ищеши, или что хощещи, чадо?" Отрок отвечал: "Возлюби душа моя паче всего учитися грамоту сию, еже и вдан бых учитися, и ныне зело прискорбна есть душа моя, понеже учуся грамоте и не умею". Он просил святого отца помолиться за него Богу, что он "умел грамоту". Старец, "сотворя молитву прилежну", достал из карманной "сокровищницы" частицу просфоры и подал ее отроку со словами: "Прими сие и снешь, се тебе дается знамение благодати божия и разума святого писания". А когда отрок съел просфору, старец сказал ему: "О грамоте, чадо, не скорби: отсего дне дарует ти Господь грамоте умети зело добре". Так и случилось. Нестеров проникся наивным и поэтическим рассказом Епифания Премудрого, его простодушной верой в чудо: "Я был полон своей картиной. В ней, в ее атмосфере, в атмосфере видения, чуда, которое должно было совершиться, жил я тогда" (писал Нестеров в "Воспоминаниях"), Первый набросок картины появился во время путешествия Нестерова в Италию, в альбоме набросков острова Капри. В том же альбоме возник эскиз вертикальной композиции этого замысла, где, убрав часть пейзажа, художник акцентировал внимание на фигурах. Но он, по-видимому, понял, что не венчик над головой святого, а именно пейзаж должен воплощать чудесное. Нестеров справедливо считал, что именно "Видением отроку Варфоломею" он останется в памяти поколений.

Преподобный Сергий Радонежский

«Преподобный Сергий Радонежский» – одна из картин религиозного цикла Михаила Нестерова, посвященного этому святому. Художник начал работать над полотном в 1891 году, еще не закончив другие картины цикла. Однако, несмотря на кажущуюся простоту композиции, написание образа Сергия Радонежского заняло более 7 лет, и завершил работу Нестеров только в 1899 г.
Композиция действительно проста: на фоне увядающей, осенней русской природы изображена иконоподобная фигура святого. Но это только первое впечатление. Картина привлекает внимание. Такое же ощущение вызывает еле слышный звук, который все усиливаясь и усиливаясь, заставляет остановиться и прислушаться.
В самом деле, благодаря грамотно выстроенной композиции, картина будто звучит. Возвышающиеся друг над другом планы придали полотну необычайную глубину и доминирующая над ними фигура Преподобного Сергия, практически поднимается над всеми этими просторами. Этот эффект придает полотну некоторую монументальность. Сразу становится понятен и символизм, с помощью которого художник хотел донести до зрителя весь свой эмоциональный порыв, вызванный образом великого человека.
Образ Святого Сергия прописан Нестеровым также в необычной манере. Святой не изображен седобородым старцем. С полотна смотрит на зрителя волне молодой, полный сил человек. Именно таким хотел показать художник Сергия Радонежского, тем самым утверждая, что святость – это не возраст, а деяния людские.
Полотно «Преподобный Сергий Радонежский» несколько отличается от остальных работ цикла, являясь его апофеозом. И, может быть, поэтому не так страшно, что вопреки желаниям художника, увидеть все картины цикла вместе – невозможно. Три из них находятся в Третьяковской галерее, и только финальное полотно «Преподобный Сергий Радонежский» экспонируется в Русском музее.

Труды Преподобного Сергия

Иконописные изображения Сергия Радонежского известны всем, однако его благословенный жизненный путь изображался не только на иконах. Духовным миром святого воодушевлялись и художники. В частности, один из самых известных русских живописцев, плодотворно работавших как в XIX, так и в XX веке Михаил Нестеров, написал большое количество изображений церковных святых. Однако особое отношение для него имело изображение Жития Святого Сергия.
В самом конце XIX века Михаил Нестеров создает монументальный триптих "Труды Преподобного Сергия", описывающий период жизни Святого вместе с братией. Мастерски сочетавший изображения святых и великолепные пейзажи, художник на каждой части картины изображает разные времена года.
На одной картине Святой в будничных простых одеждах показан несущим коромыс­ло с двумя ведрами, на одном из них вырезанный крест. Здесь Нестеровым показана осенняя природа — рыжие высыхающие луга, поля. На центральной картине изображено распиливание бревна. Сергий со своим товарищем, другим иноком, одеты лишь в подрясники. Образ Святого служит олицетворением трудолюбия, показывает смиренность и усердие в постройке обители. На заднем плане господствует жаркое лето, стоят могучие ели и стройные березы. На картине справа показана улочка монастыря, засыпанная снегом. Сергий, одетый в черную мантию, задумчиво стоит на узенькой заснеженной дорожке. Художник подчеркивает печальный лик Святого на фоне великолепия русской зимы, блестящего одеяния деревянных избушек, церкви с колокольней и высоких елей.

Под Благовест (1895)

Еще одной картиной, которую художник написал в окрестностях Сергиева Посада, станет «Под Благовест». На первом плане зритель видит двух монахов, читающих Часослов и бредущих вдоль поросли молоденьких березок. В лучах заходящего солнца горят кресты храма. Монахи настолько углубились в чтение, что не обращают внимания на красоту природы, которая просыпается от зимнего сна. Художник вкладывает в руки молодого инока веточку вербы, сообщая тем самым, что великий праздник Воскрешения Христова совсем скоро. Кажется, что и в природе, и в людях, изображенных на картине, не осталось ничего земного, а все происходящее проникнуто тишиной спасительной молитвы.

Александр Невский

Михаил Нестеров родился в купеческой семье с сильными религиозными корнями. Отец мальчика всячески поощрял стремление сына к живописи. В начале творческого пути Александра его картины не имели большого успеха — критики винили молодого художника в отстраненности и холодности работ. Смерть любимой жены Марии послужила толчком к развитию таланта Нестерова. Это ужасное событие и невероятное горе, обрушившееся на художника, заставили его рисовать с неслыханным доселе жаром. После смерти близкого человека творец еще более ушел в религию. Основные и самые известные его творения — росписи соборов и храмов.
Картина "Александр Невский", являясь самостоятельным произведением, в то же время послужила основой для последующего создания иконописной мозаики. Колорит работы характерен для Нестерова — темные, приглушенные тона, редкие яркие всплески — горящие восковые свечи, золотой закат в окне. Эта манера письма позволяла художнику верно расставить акценты, привлечь внимание к наиболее значимым деталям — куполам церкви, обрамлением для которых служит оконная рама; пылающим свечам, поставленным во славу Господа.
Герой картины склонил голову перед иконой, во всем его облике — смирение и умиротворенность. Светлое одеяние Александра свидетельствует о чистоте его помыслов, алые сапоги будто обагрены кровью поверженных врагов. Над головой полководца — золотой нимб, причисляющий его к лику святых Русской Православной Церкви. Военные атрибуты, символы славы — меч, шлем, щит — брошены к ногам, как не имеющие большого значения. Все внимание художник сосредоточил на религиозных символах. Молящийся в домовой церкви князь весь во власти мыслей о Боге, и в этот момент он отрекается от своей мирской славы. Правой рукой Александр Невский совершает крестное знамение.

Горы

Михаил Нестеров — один из участников товарищества передвижных выставок. Выходец из купеческой семьи, он с детства питал отвращение ко всякого рода торговле. Занимали молодого человека искусство и литература. По счастью, его отец тоже интересовался искусством и потому принял горячее участие в судьбе сына, поддерживал все его начинания. Детство Михаила было спокойным, проникнутым любовью, что оказало в дальнейшем большое влияние на все его творчество. Картины художника чаще величественны и представляют традиционные ценности.
Однако не все так гладко было в судьбе автора. Смерть молодой жены во время родов была событием, изменившим его жизнь. Образ любимой жены художник отразил во многих картинах уже после ее гибели. Прославили художника картины на религиозные темы. Однако и в изображении пейзажей Нестеров был мастером. Сам о себе он говорил, что не любит изображать сильные страсти. В изображении спокойной, величественной природы художник находил своеобразную отдушину. Неяркая, неброская красота его работ как нельзя лучше подходит для отображения природы средней полосы России.
Картина "Горы" написана в типичной манере художника — без ярких красок, с плавными переходами из одного цвета в другой, с игрой полутонов. Голубое небо с небольшими облачками парит высоко над верхушками гор. Сами горы, бело-голубые, гармонируют и с тоном неба, и с сине-зеленым оттенком листвы, соединяя два плана картины — небо и землю. Единственным ярким пятном в картине является тонкая березка на переднем плане. Ее пожелтевшая листва, написанная нежными, точными мазками, притягивает к себе зрительский взгляд.

Юность преподобного Сергия

За всю свою творческую жизнь Михаил Васильевич Нестеров посвятил Сергию Радонежскому пятнадцать своих картин. Художником создана большая серия произведений описывающих значимые события из жизни русского святого.
Картина «Юность преподобного Сергия» написана в 1892-1897г. на холсте маслом. Ее размер достаточно большой 247х229см. После завершения этой картины, сам художник подарил ее Третьяковской галерее (г. Москва), где она хранится и ныне.
В центре холста изображен юный Сергий (в миру Варфоломей). Статный юноша стоит в светлом подряснике среди густого, смешанного леса. Образ юноши одухотворенный. Его лицо светлое, наполнено любви и добра.
У его ног лежит бурый мишка. Эпизод с медведем взят из описания жития преподобного.
Художник использовал множество зеленных оттенков, чтобы передать все краски дикой природы. Обилие зелени и полевых цветов, указывает на время года – это весна. На заднем плане виднеется маленькая деревянная церковь. Возможно, именно с нее начиналась история Троице-Сергиевой лавры.
На холсте главенствует гармония человека с окружающей природой. Скрестив руки на груди, Сергий молится за весь мир, сосредоточив свой взгляд вдаль.
Несмотря на возраст юноши, художник описывает сияние над его головой.
Михаил Нестеров глубоко почитал великого святого и в своих произведениях старался передать его праведность, целомудрие, веру. С малых лет отрок Варфоломей взял на себя подвиг поста, непрестанной молитвы и в дальнейшем монашества.

Философы

Советский художник Михаил Нестеров в 1917 году пишет двойной портрет «Философы». Фигурами для картины он пригласил своих друзей. Но они же были и выдающимися людьми, религиозно-философскими взглядами которых художник восхищался. Слева на полотне – П. Флоренский, справа подле него – знаменитый С. Булгаков.
Автор явно желал показать антагонистичность своих персонажей. В первую очередь это выражается в их одежде. Флоренский в облике священника одет в белоснежную рясу, черного цвета только его скромный головной убор. Его спутник – Булгаков – облачен в строгий черный костюм с галстуком и плащ, а белеет лишь ворот рубашки. Другое отличие этих людей – в выражении лица.
Священник полон смирения и покорности, его взгляд обращен к земле. Такой образ – само воплощение кротости. Мужчина возле него упрямым взглядом устремлен вперед. В его чертах заметно яростное противление и смелый бунт.
Несмотря на практически полную противоположность характеров, герои картины идут рядом как добрые товарищи, размеренно беседуя.
Дело в том, что объединяет этих людей кое-что более важное – думы о судьбе родной земли, беспокойство о многострадальном ее народе. Поиском истины заняты эти великие мыслители на протяжении всей жизни. Неторопливо бредя по тропе, они погружены в решение важных философских вопросов.
Фоном для портрета Нестеров сделал типично русский пейзаж. Вероятнее всего, он запечатлел пору цветущей весны. Высокие деревья, пышные кусты и густая трава лишь кое-где обожжены палящим солнцем.
Картина «Философы» отражает духовное видение эпохи. Эмоции ужаса переплетаются с миром и радостью. Борьба и смятение переходит к победному свершению. Живописец изобразил прекрасный тихий пейзаж и великих мыслителей – Булгакова и Флоренского, живущих внутренней жизнью неутомимых искателей истины.

Три старца (Лисичка)

Художник Михаил Нестеров никогда не находил утешение в мире своей современности. Лишь девственная природа была неиссякаемым источником его вдохновения, которое отражалось в каждой работе этого замечательного автора. Он считал, что с ее помощью можно усмирить бурный и непокорный нрав человеческой натуры, а также очистить свою душу от большей части пороков.
На картине «Три старца», которая имеет еще одно название «Лисичка», зритель видит теплый и солнечный день в лесной роще. Главные герои полотна — это три старца, облаченные в монашеские одеяния. Они сидят на пеньке. Возможно, они остановились отдохнуть после долгого пути или же решили уделить время созерцанию богатых просторов родного края.
Старцы расположились на полянке, покрытой зеленой сочной травой. На заднем плане картины течет спокойная чистая река, окружают которую живописные холмы. Будто дымкой или нежной пеленой окутаны эти прекрасные дали.
Впереди старцев простирается лесная куща. Там растут тонкоствольные березы, раскидистые ели и могучие сосны, уходящие густыми кронами под самые небеса. Из своего зеленого дома, немного пригибаясь к земле, выходит лисичка. Она не боится людей, потому что знает — они не принесут ей вреда и, возможно, дадут чего-нибудь вкусного.
Старики внимательно рассматривают лесную гостью. Их лица спокойны и доброжелательны. Похоже, их забавляет наблюдение за этим милым и любознательным божьим созданием.
Посещение Соловецкого монастыря сыграло важную роль в развитии творческого стиля Нестерова. Его привлекла чистая и уединенная жизнь монахов, полная доброты и умиротворения.
Живописец сравнивал мир, в котором они находятся, с красивой детской сказкой, случившейся наяву. В каждом кустарнике, цветке или пушном зверьке он находил сокровенные для его сердца идеалы.

Христова невеста

«Христова невеста» — первая из картин Нестерова, которую он считал той работой, которая открыла ему творческий путь. В ней в первой, отразились и живая душа, и страдание, и идея — все то, без чего нет подлинного искусства. Создана она была при грустных для художника обстоятельствах. Умерла его жена Мария, ей было всего двадцать пять лет. Убитый горем, Нестеров взялся писать «Христову невесту», наделив её лицом покойной жены, и такие образом выплеснул на холст свое горе. Получилась живая, дышащая, трогающая за самую душу картина.
Христовыми невестами называли монахинь из-за обета воздержания. Не принадлежа ни одному земному мужчине, каждая монахиня принадлежала Господу и потому должна была сохранять чистоту и непорочность. На картине изображена девушка в таком платье, какое носили старообрядцы. Темное, строгое, оно сидит по фигуре, белая рубашка с длинным рукавом прячет руки, а платок, расшитый синим узором, шею и волосы. Живет только лицо — с тонкими чертами, строгое, святое. По нему видно, что основная жизнь девушки проходит в другом мире. найдя голос
Бога в природе вокруг себя и в самой себе, она больше не нуждается в примитивных забавах мира. Её сверстницы выходят замуж, нянчат детишек, гадают на Святки, пекут пироги и водят хороводы с песнями, тягучими и высокими. Она же, удалившись в монастырь, больше не интересуется всем этим. У неё не будет ни мужа, ни детей. Яркие бусы, жемчужные серьги, расшитые сарафаны больше не про неё. Затворившись внутри себя самой, обратив взгляд на Бога, она поглощена этим занятием.
Христова невеста проживает жизнь именно так. В гармонии и мире, за простой работой, в помощи людям. Страсти и боль проходят мимо неё, оставляя её равнодушной. Грешные желания умирают, не родившись, и так легко представить, как она встает и прямо в своем синем сарафане восходит на небо.

За Волгой

История знаменитой картины «За Волгой» художника Нестерова очень интересна. Созданное в 1905 году великолепное полотно приобрел коллекционер из Астрахани П.М. Догадин. После этого произведение искусства выставлялось в Санкт-Петербурге, в Москве, в Астрахани, а также в музеях Китая.
Михаил Нестеров как художник формировался под влиянием таких именитых художников, как Алексей Саврасов и Василий Перов. Следовательно, будучи прилежным учеником, в картине «За Волгой» мастер живописи показывает изменения в жанровой тематике художника, когда особую роль отводят пейзажу.
Социальные темы, которые были свойственны картинам XIX века, постепенно отходят на второй план. Все задачи по выявлению сокровенных эмоций возлагаются лишь на пейзаж, именно он вызывает колебания настроений. Подобное изображение природы позволило автору отказаться от детализации. Сохраняется лишь общее содержание того, что он хотел поведать.
Какого-то сюжетного начала в картине нет. Нашему взору сразу открывается с высочайшего берега плес Волги-реки. Вся композиция выстраивается на ярковыраженном параллелизме фигур и пейзажных деталей. Так, уверенному в себе мужскому силуэту, что возвышается над простором, соответствует активный изгиб виднеющегося вдали берега и устремленная роспись каравана пароходов.
Изящной фигурке молодой барышне – тоненькая березка на высоком берегу, которая только что покрылась нежными листиками. Мужчина глядит на волжские просторы с равнодушием, он любит только себя, а в глазах женщины – тоска, на губах застыла печаль, и даже маленький букетик цветов в руках как будто замер.
Нестеров с помощью кисти очень точно передал настроение людей. А неброско выполненный пейзаж, очень скупой, только подчеркивает состояние человеческих душ.

Соловки

Картина художника Михаила Нестерова, получившая название «Соловки», в наши дни представлена в Эрмитаже.
Север привлекал живописца своей пронзительно красивой природой, однако Соловецкий монастырь им был выбран не случайно, потому что тут можно столкнуться и с другого вида красотой – духовной. Вот почему героями его полотен Соловецкого цикла стали, в основном, местные старцы и монахини.
На картине «Соловки» люди изображены как бы издали: старец и монах помоложе сидят в лодке, которая вот-вот достигнет берега на одном из островов. Крупной же изображена белокаменная часовня. Рядом – суетливые чайки, которые уже привыкли к людям на этих берегах. Вторым крупным объектом выступает скалистый остров, кажущийся синим в сумерках. И конечно, бездонное северное небо.
Казалось бы, просто сюжетная живопись, но это ещё и истинный символ веры: часовня на картине словно упирается крестом в золотую солнечную полоску на небе. Человек здесь воспринимается как существо второстепенное, по отношению к Богу, к вере.
Видно, что люди, сидящие в лодке, не мыслят свою жизнь без служения Всевышнему. И это даёт им какую-то необъяснимую уверенность и силу, которая ощущается в позе налегающего на вёсла монаха. Ему и холодное Белое море нипочём, если вся жизнь его посвящена службе. Он знает, что не собьётся с пути истинного, даже если волны начнут бросать лодочку из стороны в сторону…
Именно эти ощущения и искал Михаил Нестеров, отправляясь на Соловки. И судьба ему подарила не только свидание с необычайной природой, пленяющей своей печальной красотой, но и знакомства с местными людьми.
Художник изучал их обычаи, мечтая создать эпохальное полотно «Святая Русь». Но перед этим были написаны не менее прекрасные и гармоничные картины, последняя из которых – «Соловки».

За приворотным зельем

Михаил Васильевич Нестеров относил себя к художникам передвижникам, но личное горе, случившееся с ним на самой заре жизни, привело его к модерну – стилю предусматривающему написание картины с элементами сказочных образов. К написанию полотна художник приступил в бытность свою студентом, было ему тогда не более 26 лет, за два года до этого в 1886 году умерла его красавица жена, которую Нестеров любил безмерно, и потому в его женских портретах сквозит некая задумчивая грусть.
Картина изображает тихую лесную поляну, окруженную вековыми деревьями. На поляне стоит деревянный покосившийся домик, из распахнутых дверей которого выглядывает седой, сгорбившийся старик в остроконечной шапке, которую в русских сказках было принято изображать исключительно на голове у колдуна. На бревне возле избушки, утопающей в зелени и цветах сидит одинокая и очень печальная крестьянская девушка.
Платок ее сбился и развязался, руки опущены к коленям, весь образ ее выдает глубокие душевные переживания. Несмотря на то, что пришла она по делу, на хозяина домика девушка не смотрит, отворачивая взгляд, поскольку понимает, что и без ее рассказа старик знает все и о ней и о снедающей ее сердечко печали. К тому же девушке страшно, она пришла просить того, о чем следует молчать, она пришла к старику за приворотным зельем, чтобы вернуть себе любовь возлюбленного.
Художник не показывает, выполнил ли колдун ее просьбу, но достоверно известно, что написанию этой картины было уделено немало сил и времени. В первом ее варианте девушка пришла вовсе не к колдуну, а к немецкому лекарю, но одна и та же сцена не вызвала у творца должного восхищения и он придумал уже известный облик полотна. Долгое время картина хранилась в частных коллекциях, после чего была передана в дар Радищевскому музею.

Всадники

«Всадники» — относительно малоизвестная картина М.В. Нестерова. До недавнего времени картина оставалась неизвестной (по доступным изображениям можно судить, что она хранилась в сложенном положении).
Возможно, картина является эскизом к ненаписанному большому полотну. Об этом можно судить по некоторой свободе рисунка и непрописанности деталей, нехарактерной для других работ художника.
В основе сюжета – знаменитая Троицкая осада, одна из многих битв Смутного времени. Монументальность сюжета подчеркивается вертикальным форматом картины. В ее центре — монастырские башни, словно стремящиеся вверх. Это стремление вверх можно увидеть во всей картине, даже в небольшом деревце в нижнем углу. И эту монументальность перечеркивают три темных всадника на белых конях. Это старцы-схимники, посланные в Москву с вестью об осаде.
По одной из легенд эти три старца – ученики Сергия Радонежского, скончавшегося двумя веками ранее. Отчасти из-за этого ощущается некоторая нереальность происходящего. Враги видели лишь трех монахов на худых конях, несущихся, словно крылатые.
Белый цвет лошадей символизирует чистоту, правду. Нимбы над головами – святость. В этом одна из главных идей картины «Всадники».
Черные плащи – традиционное одеяние монахов. Их цвет входит в контраст с лошадьми и снегом, притягивая взгляд зрителя к главным действующим лицам полотна.
Нестеров нашел один из самых оригинальных и выразительных способов передать эту легенду. Для творчества самого художника композиция тоже достаточно необычна. Здесь нет крупных фигур на первом плане и бескрайних просторов. Возможно, это лишь часть огромного ненаписанного полотна.
В отличие от композиции, цветовое решение для Нестерова вполне характерно. Здесь много снега и сиренево-фиолетовых оттенков.

Два лада

Творение русского художника Михаила Нестерова «Два лада», дает возможность о многом зрителю задуматься. Идея написания картины была навеяна стихами А.К. Толстого, кроме того автора всегда увлекала иллюстрация сказок. Художник затрагивает в своей картине такие темы как: любовь, верность, сказочная привлекательность природы, красота русской души. Название произведения, походит с древнерусского языка, так как раньше «ладами» называли супругов.
На картине перед зрителем появляется молодая влюбленная пара, стоящая на берегу лесного озера, молодые люди смотрят куда-то вдаль, а они исполнены надежд и уверены в своем счастье. Впереди у них долгая счастливая жизнь, которую они проведут в большой любви и верности, несмотря на все трудности и врагов, которые им встретятся. Он обязательно станет для нее крепкой стеной, а девушка будет хранительницей домашнего очага. Символом вечной любви молодых людей, является изображение двух белых лебедей в озере.
Подкупает в картине и сказочная атмосфера Древней Руси, которая только подчеркивается национальными костюмами, в которых молодые смотрятся еще привлекательней и невинней.
Кроме идеи любви, Нестеров хочет показать зрителю красивую душу русской природы, привлекательность которой и заключается в прозрачных озерах, больших лесах и высоких соснах.
В настоящем русском «пейзаже души», художник идеализирует природу и хочет показать единство человека и природы, что чаще всего происходит в отечественных сказках.
Кроме того, что картина дарит ряд позитивных эмоций от одного невооруженного взгляда, осмыслив главные идеи картины, зритель задумывается о ценности человеческих чувств, отечественной культуры и окружающей его природы, побуждает в людях чувство патриотизма, гордости за родную землю.

Великий постриг

Достаточно часто живописец Нестеров обращался к религиозной тематике. Вот и тут он не изменил себе, а просто свои чувства спрятал под этим полотном.
Что это за свои чувства, спрашивается? Всё объяснимо: просто однажды художник влюбился, с первого взгляда, как удар молнии, как ураган страстей. И это было взаимно. И когда уж всё шло к свадьбе, ему вдруг было отказано.
Мало того, отказано было не при личной встрече, а банальным письмом. Это был удар и под впечатлением от этого Нестеров и создал это полотно. Хотя при чём тут отвергнутая любовь и образ монашек… Но он именно так и спрятал свои чувства. Он спрятал свою любовь под уход в монастырь.
На полотне процессия монашек на совершение пострига. Те на ком одет белый платок ещё не монашки, но они уже у самой цели. Одна из белоплаточковых идёт уверенно впереди и уже вся погружена в молитву, в свою жертвенность. За ней следом идёт другая девушка, но кажется что она ещё пока вся в миру, вся в страстях и в глазах ещё нет покорности судьбе.
А рядом женщина, которая уже давно покорилась судьбе и приняла постриг, а сбоку рядышком – девчушка, которой и мир пока не понятен, да и тут не всё ею принято и осмысленно. А за ними идут монашки разных возрастов, которые ведут под руки красивую статную женщину – это игуменья.
Мастерски изложен сюжет, мастерски представлен некий конфликт человека с природой. Вот посмотрите-ка, как здорово противопоставляется весенняя природа и настрою людей. Но при этом это всё же реквием, художественный реквием по неудавшийся любви художника.
Нестеров счёл нужным именно так излить свои страдания и за это мы ему благодарны. Потому что получили истинный шедевр русской живописной школы, равной которой нет в мире. А по силе восприятия и вовсе бесценна, потому как только русский человек может понять русского человека: его отчаяние, его горе, его любовь.

Сестры

Свою картину «Две сестры» художник изобразил в нескольких образах. Экземпляры образа под названием «В скитах», выполненные художником в 1915-1916 и 1922 годах, на сегодняшний день находятся в музеях Украины и Чехии.
Главные героини холста – это две сестры, взявшиеся за руки, которые идут по дворику скита. Сам двор расположился на речкой Волгой, вокруг него – деревянная оградка. В реке течет голубая чистая вода, окутанная легкой прозрачной дымкой воздуха. На дворе теплый май, трава уже сочная и светла зеленная. Она будто мягкий ковер растелилась по двору скита. Сестры расположены в левом нижнем углу картины.
Одна из них одета в темные траурные одежды, на голове у нее обмотан черный платок. Сестра печальна, погружена в раздумья, и как будто не видеть наступившую вокруг живую весну. Другая же наоборот изображена в веселом праздничном светлом сарафане, на голове у нее яркий цветной платок, а в руке она держит букет из живых цветов. Она протягивает руку и как бы приветствует кого-то, с другой стороны. Ее переполняет любовь к жизни, веселье и радует наступившая кругом весна.
Художник на своем полотне изобразил две противоположные человеческие судьбы, два абсолютно разных мира: первый мир расположился в пространстве скита, он маленький и замкнуты, а второй – земной мир – он огромный и жизнерадостный. Свою идею художник ярко изобразил в одеяниях сестер. Это два совершенно контрастных наряда – траурный черный и весенний золотистый облик.
Картина полностью пропиталась весенними красками. От нее будто бы исходит дневной свет, свежий воздух, запах распускающейся природы и шум протекающей мимо реки. В своем холсте художник Нестеров великолепно сочетает цвета весны: светло зеленый, нежно-голубой, глубокий синий, небесно-розовый и персиково-золотой.

На горах

Михаил Нестеров известен своей религиозной живописью. Он учился в Императорской Академии художеств, а позже вступил в союз художников.
На горе стоит женщина. Внизу протекает река, которая олицетворяет человеческое начало. Взгляд ее какой-то таинственный и устремлен вдаль. На ней темный сарафан до пят, белая кофта и белый платок. А в чуть поднятой красивой руке держит букет цветов. Кажется, что она ведет молчаливый разговор. Она наслаждается красивым пейзажем. Стоя на горе, ей открывается великолепная природа тех краев. А душа ее страдает. В ней чувствуется что-то глубоко скрытое, тайное.
Художник изобразил внутренний мир девушки – чуткая, глубокая и женственная душа. Летняя природа особо удивительна и красива. Небо светло-фиолетовое, такое низкое и глубокое. Луг покрыт зеленой травой, растут полевые цветы и деревья. Вдали виднеется большой лес. Природа как будто затихла. В этой картине человек и природа представлены как единое целое.
Идея картины «На горах» возникла у Нестерова после прочтения романов Мельникова-Печерского. Там подробно описывалась жизнь нижегородских купцов-старообрядцев. Возможно, он изобразил момент перед уходом одной из героинь в монастырь. Девушка понимает, что ее ждет постриг, произнесение обетов, облачение в рясу и монастырская жизнь. Выдержать испытание затворничества и одиночества не так-то просто. Но она сознательно идет на этот шаг.
Цвета на карты немного бледные. Зеленый цвет, который преобладает в этой картине, помогает нам объединиться с природой. Черный цвет платья девушки скрывает в себе подавленность и пустоту. Но в то же время белые элементы на одежде символизируют открытость, единство с природой и легкость. Художник досконально прорисовал каждый цветочек, каждую травку и деревце.

Святая Русь

Весна 1902 г. ознаменовалась для художника Михаила Нестерова публичным обозрением его картины «Святая Русь». Здесь он хотел применить иконописный вид своей духовной практики.
Основой сюжета картины являются слова из Библии. На картине виден зимний пейзаж. Действие происходит на Соловках. Этюды, написанные художником, взяты из этих мест. Изображение Христа, которого окружили особо чтимые на Руси угодники. Они напоминают лики старых икон, на которых изображены: Николай Чудотворец, Сергий Радонежский, Георгий Победоносец.
Святых Нестеров изобразил слева, а справа народ, который пришел к Христу и его помощникам, чтобы покаяться и рассказать ему о своих бедах. Своих любимых героев: странников, монахов, девушек, детей, он писал с реальных лиц. Здесь есть даже сестра и его мать. Он их изобразил поддерживающими больную девушку.
Картина символизирует исконно православную веру. Только так люди разных времен смогут объединиться и спастись. Произведение рассказывает о временах, когда христианство только начинало зарождаться.
Поэтому храмом здесь отображена вся земля, в снежном убранстве лесов и полей, а не раззолоченная церковь. Критики обрушились на художника с огромной яростью. Они разгромили содержание картины в пух и прах.
По их мнению, в картине образ Христа и святых несут полное несоответствие официальной церкви. Так как Христос изображен в образе обычного человека.
Даже, по словам Льва Толстого образ Христа схож с итальянским тенором. Картину посчитали незвучной и неудачной. В картине художнику удалось запечатлеть свои чувства в отношении политики тех времен России.
Вся картина пронизана мотивами покаяния. И не случайно в 1905 г. Нестеров становится членом Союза русского народа.

Пустынник

1
Название для картины автором выбрано не случайно. Пустынник означает скитальца, странника, путника, отшельника. Главный персонаж картины – седовласый мужчина. У него длинные волосы и борода. Он одет достаточно легко, несмотря на то, что на улице еще кое-где лежит снег. Середина весны, лед на речке уже растаял. Гладчайшая гладь воды словно зеркало, в котором отражается пасмурное небо.
Мужчина идет по берегу. На небе – плотный покров из туч. Зима никак не решится покинуть свои владения, вот и небо, увы, до сих пор затянуто. И редкий луч может пробиться сквозь их завесу. Голая сырая земля. Тишь, гладь, но совершенно неуютно. Можно почувствовать на себе прохладу того дня. Подул холодный ветер с реки, пролился легкий дождь – превратности погоды в это период воспринимаются как данность.
Но старцу все нипочем. Ему хорошо и приятно даже в этой обстановке. Он идет и улыбается- ему нипочем эта стужа. Его лапти промокли, и одет он не так тепло, как подобает. Однако, он идет и улыбается тому, что видит. Он счастлив, потому что все законы природы, смена времен года – она незыблема и постоянна. И вслед за стужей обязательно придет тепло. Он ценит каждый момент этой жизни. Его мудрость позволяет ему находить нечто особо прекрасное в любой погоде, не ворчать на холод и дождь, а наслаждаться необычностью момента, его особенностью, ведь он – один такой удивительный и уникальный, и этот момент никогда больше уже не повторится.
Тень монаха-старца прямо перед ним – значит, солнце светит за его спиной. Он – такой же как все, обычный человек из плоти и крови. Но в то же время он совершенно иной, духовно инакомыслящий. Годы поклонения Господу, его крест покаяния и послушания дали ему мудрость и терпимость, с которой у него появился особенный, лишь ему известный и понятный путь. Путь, ведущий к счастью.

2
Это первая значительная картина, раскрывшая самобытность нестеровского творчества. Тема ее не была такой уж новой, к ней обращались многие художники академического и передвижнического направления. Но у первых образ пустынножителя оказывался благостно-официозным, а вторые были склонны относиться к нему критически и осуждать за уход от мира. Нестеров первым с такой искренностью и силой опоэтизировал человека, отказавшегося от суетных мирских страстей и нашедшего счастье в уединении и тишине природы. Его старик-монах - простец, с наивной верой в Бога, не искушенный религиозно-философских мудрствованиях, но чистый сердцем, безгрешный, близкий к земле, - это и делает его таким счастливым. Нестеровский герой был навеян русской литературой - Пименом в Борисе Годунове Пушкина, Соборянами и другими героями, особенно, старцем Зосимой в Братьях Карамазовых Ф.Достоевского. Но Нестеров нашел этот человеческий тип и в жизни. Он написал своего пустынника с отца Гордея, монаха Троице-Сергиевой лавры, привлеченный его детской улыбкой и глазами, светящимися бесконечной добротой. Новым для русской живописи был не только образ старца, но и пейзаж, замечательный своей одухотворенностью. Он лишен внешних красот, сер и скуден в своей наготе ранней зимы, но пронзительно поэтичен. В нем появляется чахлая елка, гроздья красной рябины – любимые нестеровские герои. Художник относится к ним как к живым существам. Глубокий внутренний лад связывает человека и природу. В коричневато-сером колорите картины еще сохраняется воздействие передвижнической живописи, но это уже неповторимый нестеровский мир Святой Руси.

На Руси

1
У Нестерова замысел создания картины «На Руси» возник за 10 лет до ее написания и назывался изначально «Христиане». Автор в художественной форме размышляет о судьбах русского народа и своей страны. Недаром в сюжете мы видим перипетии, развивающиеся с древности и до современности. Здесь можем увидеть и раскол Руси, и Царя с Патриархом (интеллигенция и народ). Есть здесь и В. Соловьев, и Толстой, и Ф. Достоевский, и слепой солдат, и сестра милосердия. Но все они на фоне русского пейзажа к самому Богу, к Высшему идеалу народа идут Крестным ходом. Путь к Богу у всех свой, но в итоге, все в одном направлении движутся: одни это делают суетливо, в спешке, другие – медленно и уверенно. Кто-то впереди, а кто-то позади, один с радостью, не сомневаясь, другой серьезно раздумывая. А впереди такого разнообразного шествия выступает двенадцати летний крестьянский мальчик. По мнению художника, он является самым совершенным воплощением народной души.
Изначально мастер хотел написать Иисуса, ведущего толпу в Царство Божие. Но учитывая современную критику, отказался в последней версии от образа Христа но, его присутствие на холсте все же есть, хоть и в образе старого, поблекшего от времени Спаса.
Поэтому именно мальчик стал центральным идейным образом на полотне, подсознательно наводя каждого из нас на библейскую истину: «Как дети будете, в Царство Божие войдете». Этой картиной Нестеров, наряду с Достоевским и народной философией, пытался воплотить идею оправдания народных страданий во имя искупления как национальной особенности России. В картине присутствует мысль автора, что само внедрение на Руси христианства было этапом очень сложным и даже болезненным. Есть и доля сомнения: не специально ли заковали при помощи религии вольную душу русскую в «смирительную рубашку» …

2
В 1912 году Нестеров заканчивает работу над росписью Покровского храма Марфо-Мариинской обители и приступает к завершению трилогии – картине «Душа народа». Уже написаны «Святая Русь» (1901-1905) и «Путь ко Христу» (1908-1912). Каждое из полотен появилось в сложное для страны время, и через них Михаил Васильевич символично предлагает выход из сложных ситуаций, который заключается не в бунтах, пропитанных кровью, а в свете истины христианской, веры в Бога и народном единстве. Вдоль берега Волги в поисках правды и утраченной веры бредут люди, впереди которых – крестьянский мальчик, с надеждой вглядывающийся вперед. Образ мальчика был написан художником со своего сына Алексея. Если на двух предыдущих картинах трилогии присутствует Христос, то здесь его уже нет. Однако складывается ощущение, что Он только что прошел, а разные люди – царь в шапке Мономаха, священник, схимник, юродивый, слепой солдат с сестрой милосердия - стремятся догнать его. На картине можно также увидеть Достоевского, Толстого и Соловьева. Эта людская лавина движется за ребенком, который единственный с открытым и чистым сердцем может «догнать» Бога.

Дмитрий, царевич убиенный. 1895

В 1895 году Нестеров посещает Углич, чтобы написать этюды для картины "Дмитрия - царевича убиенного". Здесь он идет в музей, переделанный из дворца царевича, где видит много икон с его изображением. В церкви он рассматривает пелену шитую матерью убиенного в память о нем шелками и золотом. В Угличе Нестеров делает пейзажный этюд с тех мест, которые могли быть фоном смерти царевича. Утренний весенний пейзаж особенно удался художнику. Это ликующий светлый мир. Нестеров любовно обласкивает кистью каждую его деталь - желтые цветы на первом плане, пушистую вербу, тонкие белые березки, покрытые весенним пухом. Вдали виднеется уютная церковь. Не касаясь луга ногами, парит над землей царственный ребенок в золотой короне, с умиленной улыбкой на лице. "Душа царевича уже витала среди весенних березок старого Углича" - этого эффекта добивался Нестеров в картине. По сути же она утверждала весеннее ликование жизни вечной, вера в которую была так необходима в тот момент Нестерову. В картине использованы элементы иконы - нимб над головой царевича, Спас в небе, его благословляющий. Нестеров сумел добиться их органического слияния с пейзажем. Светлая голубовато-зеленая гамма красок подчеркнута единственным ярким пятном - алой шапочкой царевича. Она воспринимается как вскрик, прерывающий нежную лирическую мелодию.

Портрет художника В.М. Васнецова (1925)

В поздних работах Нестерова реже появляются образы русских святых. На первое место выходит полотна, написанные в жанре портрета. После 1920 года мастер создает портреты своих современников: художников, скульпторов, философов, ученых, литераторов, врачей и актеров. Одной из таких работ становится портрет Васнецова. Идея написать своего друга родилась у художника еще в 1908 году, но из-за большого количества заказов воплощение замысла было отложено на долгие годы. Картина была написана в год 70-летнего юбилея Виктора Михайловича. Выдающийся художник-сказочник изображен сидящим в своей мастерской на фоне икон. Кресло с высокими подлокотниками развернуто таким образом, чтобы зритель отгораживал портретируемого от всего остального мира, а святитель в светлых одеждах с иконы словно призывает Васнецова к беседе. Седовласый старец смотрит на зрителя сверху вниз, но в его взоре нет высокомерие, скорее подчеркивается значительность его личности. Портрет понравился многим, а сам мастер считал его одной из лучших своих работ.

Портрет Веры Игнатьевны Мухиной. 1940

Нестеров высоко ценил творчество Мухиной. Ему по душе была скульптура "Рабочий и колхозница", созданная Мухиной для советского павильона на Всемирной выставке в Париже в 1937 году. Его привлекали монументальность пластики, высокая содержательность образа, выражающая романтическую устремленность страны в будущее. Нестеров познакомился с Мухиной и загорелся желанием написать ее портрет: "Она интересна, умна. Внешне имеет "свое лицо", совершенно законченное, русское... Руки чешутся написать ее, она согласна". Когда Нестеров увидел скульптора за работой, он пришел в восторг: "Так вот ты какая! Так и нападает на глину: там ударит, здесь ущипнет, тут поколотит. Лицо горит. Не попадайся под руку: зашибет! Такой-то ты мне и нужна". Портрет строится на контрасте статики и динамики. Внешне статична крупная фигура женщины, скупы ее профессиональные жесты, спокойно и строго лицо. Зато фигура Борея - вся движение, полет, порыв. Нестеров сам выбрал для портрета эту статую северного бога ветра, сделанную Мухиной для памятника челюскинцам. Впрочем, в спокойствии Мухиной угадывается огромная внутренняя энергия. Румянец волнения окрасил ее щеки. В выражении глаз - неподдельное вдохновение творца. Фигура Борея становится олицетворением мятежной души Мухиной, такой обманчиво скромной, статичной, лишенной внешней патетики. Краски портрета строги. Доминируют черный и белый, окрашенные голубыми и сиреневыми рефлексами. Динамично движение белого цвета фигуры Борея, подкрепленное разлетом складок белого жабо Мухиной. Лишь красное пятно броши оживляет строгость колорита. Свет излучает вдохновенное лицо художницы, написанное теплым, желтовато-охристым тоном. Портрет, созданный Нестеровым за два года до его смерти, поражает свежестью и оригинальностью композиционного решения, проникновенной психологической характеристикой, умением, сохранив остро индивидуальные черты модели, создать обобщенный образ творца.
Примеры репродукций
picpicpicpicpicpicpicpicpicpic
Download

Войдите на сайт, чтобы увидеть полную информацию.

Как скачивать  ·   Правила трекера

[Профиль]  [ЛС] 
Показать сообщения:    
Ответить на тему

Текущее время: 16-Ноя 15:41

Часовой пояс: GMT + 4



Вы не можете начинать темы
Вы не можете отвечать на сообщения
Вы не можете редактировать свои сообщения
Вы не можете удалять свои сообщения
Вы не можете голосовать в опросах
Вы не можете прикреплять файлы к сообщениям
Вы не можете скачивать файлы